Margarita Pérez Grande

jueves, 19 de septiembre de 2019

CURSOS EN MUSEOS DE LA ASOCIACIÓN CULTURAL ESTUDIO ARTE (2019-20)

LA COLECCIÓN DEL MUSEO NACIONAL

CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA (I) [1]

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

PROGRAMA

I. MODERNIDAD. PROGRESO Y DECADENTISMO EN EL ARTE ESPAÑOL DEL PERIODO 1880-1920

1. Simbolismo, Modernismo. La Generación del 98.

2. La “España negra”. Ignacio Zuloaga. José Gutiérrez Solana.

3. Mediterranismo y Noucentisme.

4. La nueva figuración. Entre clasicismo y sobrerrealidad. El “Realismo mágico”.

II. LA RUPTURA CUBISTA (1910-1920)

III. DADÁ Y SURREALISMO. ARTE EUROPEO DE 1920-1930

1. El Ballet Triádico de Oskar Schlemmer.

2. Palabras en libertad. Surrealismo y campos magnéticos.

3. La Escuela de París y los comienzos del surrealismo en España. La Generación del 27.

4. La Escuela de Vallecas: Alberto Sánchez y Benjamín Palencia.

5. Salvador Dalí. Óscar Domínguez. Surrealismo y Revolución.

IV. ARTE ESPAÑOL DE LA DÉCADA DE 1930. LA REPERCUSIÓN INTERNACIONAL DE LA GUERA CIVIL (1936-39)

1. La modernidad ecléctica. Arte español durante la II República.

2. La escenografía y las artes visuales durante la II República.

3. Luis Buñuel. Las Hurdes: Tierra sin pan (1933).

4. La Exposició Logicofobista (Barcelona, mayo de 1936).

5. Visiones de una guerra (I). El Pabellón Español de la II República en la Exposición Universal de París de 1937.

6. Visiones de una guerra (II). El Pabellón Español de la II República en la Exposición Universal de París de 1937. El Guernica de Picasso.

7. Visiones de una guerra (III). La imagen de España en crisis: conflicto muerte y exilio. ¡Aidez l’Espagne!

8. Arte español en el exilio. La memoria histórica: Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino (1971).

V. EL ARTE OCCIDENTAL DEL PERIODO 1940-1960

1. El arte español bajo el primer franquismo.

2. El arte español de los años 1950 y su proyección internacional.

3. Arte europeo de postguerra.

4. Norteamérica y la reinvención de la modernidad.

DURACIÓN Y FECHAS:

(38h en 25 clases de 90’)

De 4 de noviembre de 2019 a 01 de junio de 2020

– De 4 de noviembre a 16 de diciembre de 2019 (7 clases)

– De 13 de enero a 30 de marzo de 2020 (12 clases)

– De 20 de abril a 01 de junio de 2020 (6 clases)

(Festivos: 23 y 30 de diciembre de 2019; 6 de enero, 6 y 13 de abril, 18 de mayo de 2020)

HORARIO:

Lunes, de 16,30 a 18,00h.

HORA Y LUGAR DE ENCUENTRO DEL GRUPO:

A las 16,15h, en el patio del Edificio Nouvel (C/ Ronda de Atocha, 2).

[1] El contenido del programa puede sufrir alguna alteración puntual a causa de los cambios provocados por préstamo de obras, restauración o modificación del plan expositivo.

HISTORIA DE LA PINTURA EN EL MUSEO DEL PRADO (I):

DE LA EDAD MEDIA AL SIGLO XVI

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

PROGRAMA

1. Pintura románica en Castilla: Berlanga y Maderuelo.

2. La pintura gótica española (siglos XIII-XIV).

3. La pintura flamenca del siglo XV: Robert Campin, Roger van der Weyden y otros pintores de la época.

4. El Bosco.

5. La influencia italiana y flamenca en la pintura española del gótico tardío (siglo XV).

6. La pintura italiana, del Trecento a Fra Angélico.

7. Tres pintores italianos del Quattrocento: Botticelli, Mantegna, Antonello de Messina.

8. Pintura renacentista en Castilla: Pedro de Berruguete, Rincón, Juan de Flandes.

9. Rafael y otros pintores italianos de la primera mitad del siglo XVI.

10. La escuela alemana del siglo XVI: Durero, Cranach, Baldung Grien.

11. La escuela de los Países Bajos del siglo XVI.

12. La pintura española del siglo XVI.

13. La pintura veneciana del siglo XVI (I): Tiziano.

14. La pintura veneciana del siglo XVI (II): Tintoretto, Veronés, Bassano.

15. El Greco.

FECHAS

(45 horas, en 30 clases de 90’).

De 21 de octubre de 2019 a 22 de Junio de 2020.

HORARIO

Lunes y Jueves de 11,45h a 13,15h.

HISTORIA DE LA PINTURA EN EL MUSEO DEL PRADO (III):

GOYA Y LAS ESCUELAS ESPAÑOLA Y EUROPEA DE LOS SIGLOS XVIII Y XIX

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

PROGRAMA[1]

1. Pintores franceses del siglo XVIII en la Corte borbónica española: Retrato y otros géneros.

2. Pintores italianos del siglo XVIII en la Corte borbónica española. Mengs.

3. Pintores españoles del siglo XVIII en la Corte borbónica.

4. Francisco de Goya, 1774-1800: Cartones para tapiz. Pinturas de asunto religioso.

Retratos.

5. Francisco de Goya, 1808-1828: Retratos. Pinturas de asunto religioso. Pinturas

vinculadas con la guerra de la Independencia. Las “pinturas negras” y las últimas obras

durante el exilio en Burdeos.

6. El retrato naturalista cortesano y burgués del primer tercio del siglo XIX: Vicente

López.

7. El Neoclasicismo académico de comienzos del siglo XIX. Los davidianos: José de

Madrazo y Juan Antonio Ribera.

8. Del ideal de la belleza clásica al naturalismo: Antonio María Esquivel. Sir Robert Alma

Tadema.

9. El Romanticismo (I). El paisaje: David Roberts y Jenaro Pérez Villamil. Pintura de

género: Alenza, Lucas. Costumbrismo: Domínguez Bécquer.

10. El Romanticismo (II). El retrato: Rafael Tejeo, Esquivel, Federico de Madrazo, Víctor

Manzano.

11. La pintura de Historia (I): Federico de Madrazo. José Casado del Alisal.

12. Eduardo Rosales: Retrato y pintura de Historia.

13. La pintura de Historia (II): Manuel Domínguez, Lorenzo Vallés, Francisco Pradilla,

Dióscoro Puebla, Alejandro Ferrant.

14. Pintores españoles en París: Mariano Fortuny. Raimundo de Madrazo. Martín Rico.

15. La pintura de paisaje durante la segunda mitad del siglo XIX: Luis Rigalt, Martí Alsina,

Carlos de Haes, Muñoz Degrain, Francisco Domingo.

16. La pintura de Historia (III): Moreno Carbonero, Muñoz Degrain, Emilio Sala, Gisbert.

17. Retrato y paisaje fin de siglo: Emilio Sala, Ignacio Pinazo, Sorolla, Aureliano de Beruete.

FECHAS:

(40 horas, en 27 clases de 90’).

De 22 de octubre de 2019 a 19 de mayo de 2020

– De 22 de octubre a 17 de diciembre de 2019 (9 clases).

– De 14 de enero a 30 de marzo de 2020 (12 clases).

– De 14 de abril a 19 de mayo de 2020 (5 clases).

(Festivos: 24 de diciembre de 2019; 7 de enero y 7 de abril de 2020)

HORARIO:

Martes: de 11,45h a 13,15 horas (Mañanas)

[1] El contenido puede sufrir alguna alteración a causa de los cambios provocados por la reordenación de sus colecciones que el Museo está llevando a cabo en la actualidad.

HISTORIA DE LA PINTURA

EN EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

Es un curso abierto, dirigido con carácter divulgativo a personas interesadas en el Arte, pero útil igualmente para profesionales que necesiten una base de conocimiento seria y ordenada, tanto sobre las colecciones del propio Museo del Prado como sobre las principales tendencias estéticas que se han sucedido en la Pintura europea desde la Edad Media hasta el siglo XIX.

Las clases se desarrollan in situ, a fin de poder contemplar de una manera directa las características generales de las pinturas comentadas (aspectos técnicos y compositivos, iconografía). En la explicación se encuadra además cada uno de los periodos, escuelas o la figura de un artista destacado dentro del contexto histórico al que pertenecen, de forma que las obras no pierdan el vínculo con su época y las circunstancias artísticas o de otra índole que pueden ayudar al espectador a su más completa comprensión. Están incluidas tanto las obras de la colección permanente del Museo como las que corresponden a la colección Carmen Thyssen.

El curso se divide en dos módulos:

- Thyssen I: “Maestros antiguos (siglos XIV-XVIII)”

(37,5 horas en 25 clases de 90’).

- Thyssen II: “Maestros antiguos y modernos (siglos XVIII-XX)”

(37,5 horas en 25 clases de 90’).

El contenido del programa puede sufrir alguna alteración puntual a causa de los cambios provocados por préstamo de obras, restauración o modificación del plan expositivo.

En 2019-20, el curso se realizará los miércoles: Thyssen I en turno de mañana y Thyssen II en turno de tarde.

“HISTORIA DE LA PINTURA EN EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA (I): Maestros antiguos (ss. XIV-XVIII)”

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

PROGRAMA

1. Pintura italiana del Trecento.

2. Pintura europea de la primera mitad del siglo XV: Del gótico internacional al naturalismo realista de los primitivos flamencos.

3. La escuela italiana renacentista de los siglos XV-XVI.

4. El género del retrato en Italia y Flandes (siglos XV-XVI).

5. La escuela alemana del siglo XVI.

6. La escuela de los Países Bajos del siglo XVI.

7. La pintura veneciana del siglo XVI. El Greco.

8. Pintura europea de la primera mitad del siglo XVII: Naturalismo caravaggista y Clasicismo.

9. Las escuelas flamenca y holandesa del siglo XVII. Retrato, escenas de género, paisajes y bodegones.

10. La escuela veneciana del siglo XVIII.

11. Pintura francesa y británica del siglo XVIII.

FECHAS

(37,5 horas, en 25 clases de 90’)

De 6 de noviembre de 2019 a 13 de mayo de 2020

– 6 de noviembre a 18 de diciembre de 2019 (7 clases)

– 8 de enero a 1 de abril de 2020 (13 clases)

– 15 de abril a 13 de mayo de 2020 (5 clases)

(Festivos: 25 de diciembre de 2019; 1 de enero y 8 de abril de 2020)

HORARIO

Miércoles, de 11,45 a 13,15 horas.

“HISTORIA DE LA PINTURA EN EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA (II): Maestros antiguos y modernos (ss. XVIII-XX)”

Por Margarita Pérez Grande (Licenciada en Historia del Arte)

PROGRAMA

I. DEL SIGLO XVIII A LAS PRIMERAS VANGUARDIAS:

1. Pintura francesa y británica del siglo XVIII.

2. Paisajismo europeo, del naturalismo al Impresionismo (1850s-1900s).

3. Paisajismo norteamericano del siglo XIX.

4. Postimpresionismo y Expresionismo (1890s-1920s).

II. DEL CUBISMO AL ARTE POP EN LAS COLECCIONES THYSSEN-BORNEMISZA (1910-1970s):

5. El cubismo y su estela (1910s-1920s).

6. Los pioneros de la abstracción (1915-1930s).

7. Dadá y Surrealismo (1920s-1940s).

8. Figuración y Expresionismo abstracto en la pintura norteamericana de los años 1930s-1970s.

9. Pintura europea abstracta y figurativa años 1960s-1970s.

10. Neodadaísmo y Arte Pop (1950s-1980s).

FECHAS

(37,5 horas, en 25 clases de 90’).

De 6 de noviembre de 2019 a 13 de mayo de 2020.

– 6 de noviembre a 18 de diciembre de 2019 (7 clases)

– 8 de enero a 1 de abril de 2020 (13 clases)

– 15 de abril a 13 de mayo de 2020 (5 clases)

(Festivos: 25 de diciembre de 2019; 1 de enero y 8 de abril de 2020)

HORARIO

Miércoles, de 16,30 a 18,00 horas.

CICLO DE CONFERENCIAS SOBRE JOYERÍA ART DECÓ
Instituto Gemológico Español (C/ Alenza. Madrid)

De 1 a 29 de octubre de 2019

Martes, de 19 a 20h

https://ige.org/events/ciclo-de-conferencias-tematicas-art-deco/

Desde comienzos del siglo XX los mismos artífices que habían creado la estética del Modernismo, iniciaron un giro paulatino en favor de diseños que se apartaban decididamente del criterio naturalista e incluso de la expresividad y dinamismo de sus motivos abstractos, para esquematizar los elementos orgánicos o desecar los encintados y entrelazos, transformándolos además en un puro grafismo. En ambos casos, se trataba de adaptar, de someter la ornamentación a una estructura nueva, estrictamente geométrica, que es ahora la nueva protagonista de la forma de la pieza.

El racionalismo basado en los criterios más elementales del viejo clasicismo iniciaba así una nueva etapa que coexistió hasta la I Guerra Mundial con el Modernismo, de hecho, podría decirse que incluso parece formar parte de él, habida cuenta de que debe a la estética de éste su punto de partida. Hasta tal punto, que esta nueva tendencia ni siquiera llega a tener nombre propio por el momento, más allá de su justificación por el desarrollo del funcionalismo que desde los proyectos arquitectónicos influye en la renovación del conjunto de las artes decorativas. A través del impacto causado por la idea de “diseño integral” promovida desde finales del siglo XIX por entidades como la Escuela de Arte de Glasgow dirigida por Charles R. Mackintosh (1896-1928), o los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte) fundados en 1903 y en activo hasta 1932. Pero también de la acción personal como diseñadores de Henry Van de Velde, Peter Beherens, Josef Hoffmann o Joseph Maria Olbrich. Todo ello tendría su colofón en la Bauhaus (1919-1933), fundada apenas un año después de la conclusión de la I Guerra Mundial y liquidada tras el ascenso de Hitler al poder.

También debe señalarse su correspondencia con la transformación que en paralelo experimentaron las artes plásticas y que condujo a las primeras manifestaciones de abstracción pura. Iniciada igualmente antes de la guerra, tiene su principio en ciertas obras del cubismo sintético inventado por Picasso y Braque, y del expresionismo abstracto alemán representado especialmente por Kandinsky, que fue responsable a su vez en parte del nacimiento del Constructivismo ruso, mientras Piet Mondrian y Theo van Doesburg alumbraban en Holanda los primeros cuadros abstractos.

Aunque la etapa inicial anterior al conflicto bélico, como se ha dicho, no alcanzara a ser siquiera nombrada de una manera concreta, puede considerarse ahora en perspectiva como el anuncio de un nuevo estilo que se materializaría ya durante el periodo de Entreguerras, y que quedaría consagrado a partir de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, celebrada en París el año 1925, de cuyo título derivaría también el nombre con el que finalmente se denominaría: Art Déco.

Para entonces, los diseños presentaban dos fórmulas que coincidían en servirse de unas estructuras simplificadas, compuestas por formas geométricas elementales y dominadas por líneas puras, rectas o curvas: esferas o medias esferas; aros circulares, ovales, pero también en forma de herradura o de eslabón; triángulos, pirámides y otros poliedros; cuadrados y rectángulos; y todo ello sobre un único plano o bien con diferentes planos superpuestos formando un ensamblaje tridimensional. También pueden encontrarse referencias inevitables a la máquina y a la industria, por lo que además de la aparición de las primeras cadenas y cordones articulados por ensambles invisibles que imitan los tubos de conducción del gas, también es posible encontrar diseños de piezas que parecen inspirados en los émbolos, pistones y engranajes de una máquina. Sin embargo, desde el punto de vista ornamental, se distingue una tendencia más radical que parece querer llevar hasta sus últimas consecuencias la renovación hasta lo esencial de la estética, y se sirve sistemáticamente de motivos abstractos, inspirados en las mismas formas geométricas usadas en la propia estructura, lo que hace a menudo indiferenciable la forma del objeto y su ornamentación.

En otros objetos, esta radicalidad es moderada en cambio con la adición de motivos que rescatan las flores y las vegetaciones, rigurosamente ordenadas eso sí sobre la pieza, siguiendo diseños planos y repetitivos, que cubren amplias zonas de su superficie, sugiriendo a menudo estampados textiles. Incluso broches y colgantes adoptan forma de jarrones con flores o con frutos, igualmente esquematizados y guardando así una completa coherencia con la base estética del Art Déco.

Al mismo tiempo que se desarrollaba este estilo como tendencia dominante del periodo sobrevive, e incluso se intensifica en algunos casos en relación con acontecimientos de especial relevancia (como el descubrimiento en 1922 de la tumba del faraón Tutankamón), una línea de diseños inspirados en los motivos del antiguo Egipto y del Extremo Oriente, con China y Japón por un lado en este último caso, y por otro la India, cuya presencia se prolongaría aún durante las dos décadas siguientes.

La unidad de estilo que encarnaba el Art Déco comenzó a romperse aproximadamente a mediados de los años 1930, cuando se inició con claridad un cambio de tendencia que no se manifiestaría de forma homogénea, sino que al contrario tendería a guiarse por un eclecticismo intuitivo, que impidió la definición de un nuevo estilo, abriendo un amplio abanico de posibilidades que se desarrollarían ya abiertamente después de la II Guerra Mundial. Aunque para entonces imbuida quizá en algunos casos de un espíritu más conservador, que en ocasiones se traduce en resultados algo relamidos. Convivirán así el revival, los motivos naturalistas (flores, hojas, frutos, animales, conchas, etc.), los diseños textiles (lazos, mallas, borlas, flecos, cordones, cuerdas, “cremalleras”), los texturados, el orientalismo, lo étnico y los caprichos. Mientras la joya matérica, que se sirve del mejor material gemológico como principal y único mérito del objeto, sigue pasando por todas las etapas, a menudo mostrando su indiferencia ante los cambios de estilo.

La diversidad que se observaba ya en la primera colección de joyas con diamantes presentada por Coco Chanel en París el año 1932, había sido el primer aviso del cambio que iba a producirse. También la inesperada presencia de los tutti fruti de Cartier, alterando la estricta geometría de algunos objetos apuntaba en la misma dirección.

Por otro lado, debe destacarse la importancia que adquiere a partir de esta época la alta bisutería, a cargo de una pléyade de diseñadores especializados en este campo de las también llamadas joyas “de fantasía” (costume jewellery), que trabaja con solvencia como contrapartida a las grandes firmas, y que se dirige especialmente a una clase media de espíritu más moderno, que no tiene miedo ni al sucedáneo ni a la extravagancia de un tamaño de objeto a veces desmesurado, ni a la libertad cromática ni a la interpretación irónica de los modelos de la alta joyería. Incluso, las firmas de alta costura, como Chanel o Dior se aprestan a crear sus propias líneas de bisutería, asociadas inevitablemente a la invención del prêt-à-porter que ellas mismas pondrían en marcha en la moda indumentaria.

Por último, debe destacarse también la participación de alguno de los artistas plásticos más relevantes del momento en el diseño de joyas. Quizá el caso de Salvador Dalí sea durante este periodo el más destacado o conocido, pero no el único que cabe citar.

MARGARITA PÉREZ GRANDE

Programa

1. Del Funcionalismo al Art Decó (ca. 1900-1914)

2. Art Decó (1920-1940)

3. El retorno al revival iniciado a mediados de la década de 1930 y su consagración como tendencia de moda estable.

4. La eclosión de la Alta Bisutería y sus relaciones con la moda indumentaria.

5. Joyería matérica. Diseños con motivos naturalistas. Diseños de inspiración étnica.

6. El influjo de Oriente: Egipto. China, Japón e India.

viernes, 2 de noviembre de 2018

CONFERENCIA INSTITUTO GEMOLÓGICO ESPAÑOL, MADRID (6-noviembre-2018):

"LA PLATERÍA EN LAS COLECCIONES PRINCIPESCAS EUROPEAS"

Los objetos realizados en metales preciosos han sido tradicionalmente un signo de distinción del estatus social y económico de sus propietarios, y por ello han sido imprescindibles en el ajuar doméstico de la élite de cada época. Pero también han formado parte de los bienes atesorados en el ámbito de sus colecciones artísticas. Es de este tipo de piezas surgidas sin otra función que la de agradar y sorprender en su contemplación, de las que se ofrecerá una panorámica basada en algunos de los ejemplos más significativos que se han conservado.

Los diseñadores de este tipo de objetos han puesto en juego todos sus recursos creativos y de maestría técnica, a fin de crear piezas singulares que satisfagan las altas expectativas de sus promotores. Eludían así comúnmente los modelos convencionales usados en la vida cotidiana de los entornos cortesanos, o bien los reinterpretaban introduciendo variaciones en su forma o en los materiales.

Precisamente la riqueza de los materiales o su rareza, así como los alardes técnicos con los que han sido tratados, son parte imprescindible también de las señas de identidad de estos objetos artísticos donde a menudo se unen la maestría del platero y la de otros artífices especializados en diferentes materias o procedimientos, en un trabajo conjunto que pocas veces deja indiferente a quien los contempla.

Escribanía. Wenzel Jamnitzer, ca. 1560/70 (Kunsthistorisches Museum, Viena)

https://ige.org/events/conferencia-la-plateria-en-las-colecciones-principescas-europeas/

martes, 23 de octubre de 2018

NUEVA EDICIÓN DEL CURSO "HISTORIA DE LA JOYERÍA EN OCCIDENTE", EN EL INSTITUTO GEMOLÓGICO ESPAÑOL:

https://ige.org/cursos/historia/joyeria-occidente/